Horrífico

   "O Legado de Saw"/"Jigsaw", dos irmãos Spierig (2017), é a recuperação de um franchise criado por James Wan e Leigh Whannell que deu no cinema sete filmes entre 2004 e 2010, mas também jogos de vídeo, banda desenhada e outros produtos de entretenimento. Produto típico da série B, enche o peito de pretensão e aí falha, como foi assinalado oportunamente pela crítica.

  Com duas séries de crimes com o mesmo perpetrador, aparentemente impossível pois John Kramer/Tobin Bell morreu há dez anos, acaba por se resumir a cenas de terror macabro e horripilante, com tortura, em que a "escolha" aleatória deixada às vítimas (como num jogo, justamente) é um logro, e ao enigma, no final resolvido, de quem é o criminoso. 

                                  

   Entre os suspeitos destacam-se Logan Helion/Matt Passmore e o detective Helloran/Callum Keith Rennie, num filme em que a ideia de vingança se confunde com a de "justiça" pelas próprias mãos, embora reveladora de desconfiança nas instituições uma das mais nocivas do cinema americano. Por seu lado, a referência à internet negra é pertinente.
  Tem argumento de Josh Stolberg e Peter Goldfinger e não adianta nada à série de horrores a que o filme de terror contemporâneo se tem reconduzido: excesso de imaginação para um terror arrepiante. Haverá quem goste mas não é o meu caso. E se traduz ia violência da sociedade americana também a fomenta, o que não deve ser ignorado nem minimizado.
  Neste modelo de serial killer, "Seven - 7 Pecados Mortais"/"Seven", de David Fincher (1995) permanece inultrapassável.  Fiquei, no entanto, a conhecer estes novos cineastas americanos, os irmãos Michael e Peter Spierig, que vou agora acompanhar com prudência.

A febre dos bolbos

   "A Febre das Tuipas"/"Tulip Fever", de Justin Chadwick (2017), chamou a minha atenção por envolver um pintor nos Países Baixos no século XVII. A partir daqui era de esperar que tivesse alusões à pintura holandesa da época, o que de facto acontece na excelente fotografia de Eigil Bryld.

     Muito bem realizado e com excelentes cenários, interiores e exteriores, da Amsterdão da época, o filme narra a história de Sophia Sandvoort/Alicia Vikander e do seu marido mais velho que ela, Cornelis Sandvoort/Christoph Waltz, da serva dela, Maria/Holliday Granger, que é a narradora, do namorado desta, Willm Brok/Jack O'Connell e do pintor Jan van Loos/Dane DeHann, convidado a fazer o retrato pintado dos senhores e que se torna amante da senhora.

   Com um número de peripécias talvez excessivo, tem o seu centro narrativo no comércio e na especulação de bolbos de tulipa, a grande riqueza local na época, o tempo do nascimento do capitalismo. Tanto Willm como Jan se envolvem nos respectivos leilões, embora a grande jogadora seja uma certa Abadessa/Judi Dench.                                               

                     

    Com muito bons actores, cenários e figurinos, a montagem de Ricky Russell permite ao cineasta adoptar as melhores soluções de realização, surpreendentes e apropriadas, que contribuem para a ligeireza do filme.

    Irónico, este conclui-se com o refazer do casal dos servos e o duplo desfazer do casamento e da relação da senhora, que se vai juntar ao convento. Tudo leve e ligeiro mesmo nos equívocos, enganos e falsas identificações.

    Tem argumento de Deborah Moggach e Tom Stoppard baseado em novela da primeira e a música de Danny Elfman contribui para o sucesso do filme, o melhor de Justin Chadwick, que já nos dera "Duas Irmãs, Um Rei"/"The Other Boleyn Girl" (2008), até agora. Mesmo que venha a ser o flop do ano, como antevê o New York Post, não deixa de ser um belo filme, simples, directo e muito bem feito.

A carta dos mortos

     "A Paixão de Van Gogh"/"Loving Vincent", de Dorota Kobiela e Hugh Welchman (2017), é um filme raro de uma beleza rara que só agora vi e aqui vos aconselho.
    Alternando o presente a cores, em que o filho de um carteiro tenta entregar uma carta de Vincent, já morto, destinada ao seu irmão Theo, também já morto, com o passado a preto e branco, especialmente dedicado aos últimos tempos de vida do pintor, dá além disso conta de uma nova linha de investigação sobre as circunstâncias da morte deste, baseada num relatório médico alternativo dela.
     Com as imagens pintadas ao estilo de Van Gogh e fidelidade ao meio e às pessoas com quem ele passou os seus últimos tempos em Auvers, "A  Paixão de Van Gogh" é mais um excelente filme dedicado a este génio precursor da pintura moderna como personalidade fascinante e contraditória que mesmo assim produziu uma obra admirável e revolucionária do cânone estabelecido no seu tempo.
                     
   O seu mérito maior é, porém, a sua originalidade visual, em que 120 artistas pintaram à mão 65.000 fotogramas emulando o próprio pintor, a sua maneira e a sua técnica, num filme com actores no passado a preto e branco e recurso a tecnologia digital. 
   Tem argumento dos realizadores e Jacek Dehnel, fotografia de Tristan Oliver e Lukasz Zal, música de Clint Mansell e montagem da realizadora e Justyna Wierszynska. Robert Golaceyk interpreta Vincent e e Douglas Booth faz Armand Roulin, o portador da "carta dos mortos".       
   Verdadeira obra de arte cinematográfica em animação do melhor efeito e do maior interesse. Na sua originalidade, no seu interesse histórico, na sua excelente qualidade técnica, na sua dinâmica visual e na sua novidade narrativa, este "A Paixão de Van Gogh" é um filme apaixonante e excepcional que merece a melhor atenção de todos nós.

Memória no dia mais quente

   Ao ritmo a que estas coisas nos vão chegando, nem sempre noticiadas como deviam em caso de estrangeiros, devo assinalar aqui mais duas mortes recentes que são baixas de vulto sentidas por todos no cinema. 

                     

   Em primeiro lugar Ermanno Olmi (1931-2018), figura maior do cinema novo italiano dos anos 60, com filmes do maior relevo como "O Emprego"/"Il posto" (1961), "Os Noivos"/"I fidanzatti" (1963), "E venne un uomo" (1965), sobre o Papa João XXIII, e "A Árvore dos Tamancos"/"L'albero degli zoccoli" (1978), Palma de Ouro em Cannes. Cineasta moderno influenciado pelo neo-realismo em especial no início, foi uma referência do cinema do seu tempo com filmes marcadamente pessoais e originais. cuja morte, ocorrida em Maio, aqui tardiamente assinalo e lamento.

                    

   A actriz portuguesa Laura Soveral (1933-2018) tornou-se uma actriz maior pelo seu trabalho em "Uma Abelha na Chuva", de Fernando Lopes (1972), filme central do cinema novo português dos anos 60 e 70 baseado em romance de Carlos de Oliveira. Com outras grandes interpretações para cinema, nomeadamente em filmes de Manoel de Oliveira, António Pedro Vasconcelos, João Botelho, José Fonseca e Costa, José Álvaro Morais e Miguel Gomes, trabalhou muito também para a televisão pelo que era uma figura familiar aos espectadores portugueses, que a admiravam e respeitavam e cujo pesar partilho neste momento.

Odiosos e poderosos

    O mais recente filme do austríaco Michael Haneke, "Happy End" (2017), tem também argumento seu e é mais um grande filme deste realizador de referência, com lugar de destaque no cinema contemporâneo.

   O segredo do filme é desenrolar-se em Calais, no noroeste de França, onde como se sabe se aglomeram em condições miseráveis refugiados que tentam rumar a Inglaterra. Pois é aí que vivem os Laurent, família abastada e desesperada, com o seu patriarca, Georges/Jean-Louis Trintignant, a filha Anne/Isabelle Huppert e o filho Thomas/Mathieu Kassowitz, a filha do primeiro casamento dele, Eve/Fantine Harduin, e o filho do primeiro casamento dela, Pierre/Franz Rogowski.

    A teia que se tece entre eles é dramática e odiosa, com o mais velho, senil, a procurar a morte por todos os meios, Anne ocupada com os negócios da empresa familiar, com o filho e o noivo, Lawrence Bradshaw/Toby Jones, Thomas em transição do seu segundo casamento para uma nova amante, Eve perplexa e Pierre revoltado. 

                      

     A realidade mais do que a ideia de morte que atravessa todo o filme é a de uma morte auto-inflingida, por suicídio ou eutanásia, e em cada personagem se percebe um desespero agudo em alheamento total em relação ao que acontece ao seu lado, na "selva de Calais" e Pierre traz para o segundo casamento da mãe. Pela televisão chegam notícias de "cenas da luta de classes" do outro lado do Canal da Mancha.

      Sufoca-se neste filme de horrores, que segundo André Dias no nº 2 da nova revista Electra "...é mais seu prenúncio que denúncia, é o cinema de extrema-direita; mesmo que esta nele não se reveja" ("A sobrevivência da abjecção", páginas 166-171) num extravasar de abjecção consistente com a obra anterior do cineasta. Na sessão em que assisti ao filme soou da assistência um grito de indignação durante a cena final.

     Com fotografia de Christian Berger e montagem de  Monika Willi, sem música a não ser diegética este um filme que se desdobra em ruídos, silêncios e palavras, sem dar tréguas ao espectador e sem as permitir às personagens.

      Absolutamente indispensável de ver com os olhos bem abertos, lembrando "Os Malditos"/"La caduta degli dei"/"Götterdämmerung", de Luchino Visconti (1969). Para que o prenúncio funcione como aviso.

O lugar onde

     "The Place" de Paolo Genovese (2017) é um filme concentrado e denso passado no mesmo local, um café com aquele nome, em volta de um homem, Valerio Mastandrea, sentado a uma mesa, que vai recebendo sucessivos indivíduos.

      Cada um deles tem um pedido a fazer que, para ser obtido, tem de ter como contrapartida um determinado comportamento, em geral violento, de cada qual. A narrativa divide-se em diversos casos que se vão interligando à volta do polícia, da criança de seis anos, do cego e da velhinha.

                      

     Sem sair do seu local único, o filme evolui à medida das sucessivas visitas das suas personagens ao homem sentado e das evoluções de cada caso que lhe contam e de que ele pede pormenores. E cada caso é diferente e é sempre narrado só verbalmente, sem nunca ser mostrado.
       Ao ritmo dos encontros e do que é dito e narrado, "The Place" estende as malhas de que se tece narrativamente, com escolhas sucessivas de diferentes personagens contra o acordado. No final, cansado, o homem acaba por trocar de lugar com a empregada do café sem que seja nunca revelada a sua própria identidade.

      Com argumento do realizador e Isabella Aguilaar sobre história de Christopher Kubasik, tem fotografia de Fabrizio Lucci, música de Maurizio Filardo e montagem de Consuelo Catucci. Compenetrado mas expressivo, Valerio Mastandrea está especialmente bem entre os intérpretes, num bom filme cujo maior limite reside no carácter estereotipado das diferentes personagens perante um interlocutor enigmático e omnipotente. Mas percebe-se o potencial do jogo.

Parricida

    Depois de "Home - Lar doce lar/"Home" (2008) e de "Irmã"/"L'enfant d'en haut" (2012), "Journal de ma tête" (2017) é a terceira longa-metragem de ficção de Ursula Meier, desta vez feita para a televisão e inspirada em factos reais passados na Suíça, e mais um excelente filme.
   A cineasta e co-argumentista diz-se inspirada pelo pintor contemporâneo belga Michaël Borremans na criação visual deste filme muito trabalhado cinematograficamente, denso, duro e dramático.

                      

   Com argumento de Antoine Jaccoud e da realizadora, parte do diário escrito por Benjamin Feller/Kacey Mottet Klein, enviado por ele pelo correio à sua professora de francês, Esther Fontanel/Fanny Ardent, antes de assassinar o pai e a mãe.

    Muito bem desenvolvido até localizar o lugar vazio na sala de aula, o filme privilegia no seu início os planos de pormenor que são menos sistemáticos a partir do inquérito judicial conduzido pelo juiz Mathieu/Jean Philippe Écoffey, que vem justificar a criação de um terceiro ponto de vista.

                                      

     Esther culpa-se perante si própria e perante o juiz de eventualmente ter exercido influência nefasta sobre o seu aluno pelo seu método de ensino e por não ter prestado a devida atenção ao que ele escrevia. Muito bem trabalhada em termos cinematográficos, a memória dele dos seus actos desperta violentamente na prisão. E Benjamin, depois de sair em liberdade seis anos passados sobre o seu julgamento, parte com ela, com quem passara já um fim de semana de licença.

     Num filme relativamente curto, ressaltam as excelentes interpretações com destaque para os dois protagonistas, a fotografia é de Jeanne Lapoirie, a montagem de Nelly Quettier e a música de Keegan De Witt com excertos de música clássica muito bem escolhidos e utilizados. 
     Sem ser seguido à letra, é patente o modelo foucaultiano de "Moi, Pierre Rivière..." (1973), que esteve na origem do admirável filme de René Allio em 1976. Parte da mini-série "Ondes de choc", passou na noite de ontem no Arte.